Catégorie: Uncategorized

Dans ce sixième chapitre de son projet A Myth of Two Souls, Vasantha Yogananthan raconte l’épisode de la guerre qui soulève les questions de la mort et de la réincarnation.

Afterlife est le sixième volet du projet au long-cours de Vasantha Yogananthan, A Myth of Two Souls, qui propose une relecture contemporaine du Ramayana. S’inspirant de l’iconographie générée par le mythe et sa prégnance dans la société indienne, Vasantha Yogananthan a retracé l’itinéraire emprunté par les héros de l’épopée du nord au sud de l’Inde.

Afterlife est centré autour de la guerre meurtrière qui oppose l’armée de Rama à celle de Ravana. Comme son titre le suggère, ce chapitre soulève des questionnements sur la mort et la réincarnation. Alors que la guerre exposera la cruauté de Rama aux yeux de tous, le héros du Ramayana s’apprête à entamer une longue descente aux enfers. Si ces images ont été réalisées au Rajasthan et au Tamil Nadu lors de deux éditions de Dussehra — le festival indien qui célèbre la victoire du bien sur le mal — elles ne documentent pas les festivités. Elles donnent à imaginer l’état de transe que cherchent à atteindre les hommes et les femmes qui, nuit après nuit, sortent peu à peu de leur enveloppe corporelle pour changer d’identité.

De retour à son studio, Vasantha Yogananthan a réalisé des collages en mélangeant plusieurs photographies. Le Ramayana a été ré-écrit et ré-interprété à travers les âges, et pour Afterlife, la poète Meena Kandasamy en offre une nouvelle lecture. Amma — le septième et dernier chapitre du projet A Myth of Two Souls — sera publié l’année prochaine et marquera la fin du projet (2013-2021).

L’univers d’Alexandra Duprez oscille entre figuration et abstraction. Peuplé de formes enchevêtrées et de figures énigmatiques, ses peintures révèlent des corps en mutation.

Dès ses débuts au milieu des années 1990, Alexandra Duprez développe une pratique intuitive du dessin et de la peinture, puisant son inspiration dans l’art brut et les arts premiers.

Dans ses images, elle fait surgir un univers fantasmagorique proche du songe, peuplé de créatures troublantes, de formes enchevêtrées et d’yeux démultipliés, entre figuration et abstraction.

Au centre de son travail se trouve le corps humain, un corps qui se dédouble, s’efface et se transforme, pour devenir un être en constante mutation, mi-animal, mi-végétal. Par ajout et recouvrement, couche après couche, l’artiste crée ce qu’elle appelle des « lambeaux d’images », fragments d’une histoire sans cesse réinventée, aux ramifications foisonnantes.

Voici notre tout premier calendrier, avec des oeuvres récentes de la peintre française Alexandra Duprez.

Biographie de l’artiste

À l’âge de 16 ans, Alexandra Duprez entreprend un voyage en Australie. C’est dans ce pays lointain qu’elle rencontre Robin Hundt, une femme passionnée d’art aborigène qui l’héberge dans sa maison aux murs recouverts de toiles. C’est un moment marquant. Dès lors, Alexandra Duprez se consacrera à la peinture. À son retour elle entre aux Beaux-Arts de Quimper. Elle s’installe à Douarnenez, où elle vit et travaille depuis. Elle crée des œuvres énigmatiques, oscillant entre un langage abstrait et humain. Elle est représentée (sélection) par la galerie COA au Canada, galerie HAGD au Danemark, galerie DYS en Belgique, Pulp gallery et Tayloe Piggot gallery aux USA , Moving gallery en Hollande. Elle a collaboré de nombreuses années avec la galerie Pierre Hallet à Bruxelles et la galerie Anton Meier à Genève. En 2015, elle participe à la création de la galerie Plein-Jour, qu’elle co-dirige depuis.

Listening to Clay : Conversations avec des céramistes japonais contemporains est le premier ouvrage à présenter des conversations avec certains des plus importants céramistes japonais vivants. Retraçant l’évolution de l’artisanat et de l’art modernes et contemporains au Japon, cet ouvrage novateur met en lumière seize personnes dont les compétences inégalées et l’éclat créatif leur ont conféré une influence qui dépasse largement les frontières nationales.

Édition de 16. Ouvrage de la première édition sous coffret 32 x 26 cm réalisé à la main par La Reliure Contemporaine (Morina Mongin), accompagné d’un tirage jet d’encre peint à la main  (21 x 25 cm) de Vasantha Yogananthan, signé et numéroté au dos.
Chaque tirage de tête est unique, aussi sera-t-il légèrement différent de la photographie présentée ici.

Un parcours d’inventions et d’expérimentations à travers plus de 200 pièces d’artistes internationaux, observant la diversité non seulement des formes et des décors, mais aussi des processus de fabrication de la céramique.
Ce projet évite les narrations traditionnelles qui maintiennent la céramique à la marge des arts, mais rend plutôt hommage au medium en le questionnant comme un matériau hétérogène capable de raconter de nombreuses histoires.

Prenant comme point de départ la création de la première Poterie artistique de Monaco dans la seconde moitié du XIXème siècle, cette publication met en lumière des personnalités majeures de l’histoire de la céramique en Principauté – Charles et Marie Fischer, Eugène Baudin et Albert Diato – et en regard du travail de nombreux artistes parmi lesquels Johan Creten, Simone Fattal, George Ohr, Ron Nagle, Pablo Picasso ou encore Magdalena Suarez Frimkess, dont certains, malgré la distance historique ou géographique, partagent des connexions profondes et des complicités inattendues.
Cette publication rassemble plusieurs des interprétations que ce médium malléable a inspirées sur plus d’un siècle, et reflète l’aspiration des artistes céramistes à provoquer un changement de perspective.

Elle rassemble dans une édition bilingue français-anglais des textes de Cecilia Canziani, Valérie Da Costa, Chus Martínez, Cristiano Raimondi et Agnès Roux.

Rinko Kawauchi capture la simplicité des moments tendres et partagés, offrant à voir sa vie dans l’intimité et la douceur du temps qui se déploie.

Un ciel bleu. Une rivière scintillante. La naissance d’une nouvelle vie. Voici les trois premières photographies du livre « As it is » de Rinko Kawauchi. Avec ce nouveau travail, la photographe se replonge dans son univers personnel à travers des thèmes qui lui sont chers : la famille, la mémoire et le temps. Ce livre présente une succession de moments et gestes anodins — une toile d’araignée, un bol de riz, une petite main pointant à un insecte — et de moments plus importants — les premiers pas de sa fille, les sorties en famille, le décès d’un proche. Ce récit personnel est ponctué de photographies de la fenêtre de la cuisine témoignant du passage des saisons, de courts textes de Rinko Kawauchi dispersés dans la séquence ainsi que de nombreux va-et-vient entre intérieur et extérieur, avec toujours cette même proximité. À travers son regard unique, Rinko Kawauchi saisit avec simplicité la beauté éphémère des instants suspendus, et raconte l’histoire d’une famille ordinaire qui traverse la vie « comme elle est ».

Ce livre a été imaginé et réalisé en collaboration étroite avec la maison d’édition japonaise torch press.

Cette publication présente dix ans de travaux en céramique réalisés par une figure importante de l’art d’après-guerre. Publié suite aux expositions au musée Marino Marini à Florence du 20 septembre au 28 novembre 2015 et à l’Institute of Contemporary Arts, Londres, du 3 février au 10 avril 2016.
Betty Woodman (1930-2018) est une artiste et une universitaire, mariée au peintre et photographe George Woodman. Woodman est principalement reconnue pour ses œuvres en céramique, notamment visibles au Musée des Beaux-Arts de Boston, Massachusetts, au Musée international de la céramique à Faenza, au Metropolitan Museum of Art à New York, au Musée des Arts Decoratifs à Paris, au Museu Nacional do Azulejo à Lisbonne, au Museum of Modern Art à New York, à la National Gallery of Art de Washington, DC, au Victoria and Albert Museum à Londres et au Centre international de la céramique à Ichon en Corée.

Edith Heath : Philosophies est la ressource la plus complète à ce jour sur Edith Kiertzner Heath (1911-2005) et l’histoire de Heath Ceramics, mettant l’accent sur les fondements philosophiques et les influences de l’une des forces créatives les plus importantes de l’Amérique d’après-guerre. Fortement illustré, il comprend un avant-propos, une préface, une chronologie visuelle, un historique des produits et des glaçures de la vaisselle, ainsi que treize chapitres rédigés par des artistes et des universitaires qui ont mené des recherches à partir de la collection Brian et Edith Heath/Heath Ceramics des Environmental Design Archives ( (EDA), UC Berkeley. Cette publication servira de complément à l’exposition de 2021 au Oakland Museum of California, offrant des commentaires substantiels et approfondis sur les thèmes présentés – environnement, féminisme, expérimentation, architecture, politique, collaborations – tout en renforçant la pertinence de l’histoire d’Edith Heath dans la vie et la société contemporaines.

Organisé par thèmes, Edith Heath : Philosophies met l’accent sur des récits moins connus et utilise des images rarement vues. Edith Heath considérait que sa vaisselle était plus qu’une collection d’objets ; c’était une déclaration de bon design reflétant le style de vie de la côte ouest américaine d’après-guerre. Le livre s’écarte du récit linéaire traditionnel de l’entreprise et situe Edith Heath comme une figure influente et méconnue de l’histoire du design céramique. Le texte et les riches illustrations plairont à un public diversifié intéressé par le design d’après-guerre, la culture matérielle et l’histoire de la Californie.

Ce livre capture l’instant brut de création de FAYE TOOGOOD. ASSEMBLAGE 6: UNLEARNING a commencé avec une sélection de près de 300 maquettes : chaises, lampes, tabourets ou méridiennes en fil de fer, carton, ruban adhésif et toile, ou les matériaux de tous les jours que l’on trouve dans l’atelier de FAYE TOOGOOD. Mais après avoir aligné ces maquettes assez grossières, presque enfantines, la collection s’est réduite à dix-sept qui ont été choisies pour être agrandies. C’est un véritable voyage immersif à travers toutes les maquettes originales et leur passage occasionnel dans le monde réel du meuble/sculpture, un livre qui joue avec le sens de la dissimulation évident dans les objets finis ou le fait que certains objets ne sont pas toujours ce qu’ils paraissent être à première vue.

L’auteur Sophie Mackintosh, nominée pour le Man Booker, prend cette idée comme point de départ pour sa nouvelle présentée au début du livre. Le livre se clôt sur un essai de l’écrivain et commissaire indépendant Glenn Adamson, qui contextualise la collection et le processus dans son ensemble.

Guido De Zan est né à Milan en 1947, et c’est en 1975 qu’il a commencé ses recherches dans le domaine de la céramique. Il utilise le grès et la porcelaine pour créer des sculptures et des objets fonctionnels. Cette monographie est consacrée à ses 40 ans de carrière de céramiste, au cours desquels il a cherché à “alléger” la matière et à rechercher l’équilibre, aussi instable soit-il. Composée d’un riche catalogue d’œuvres réparties en catégories, elle présente de nouveaux textes de plusieurs auteurs, dont De Zan lui-même. Elle présente également une anthologie critique d’écrits qui soulignent les thèmes fondamentaux de la recherche de De Zan, de la relation entre l’art et le travail manuel, à son lien avec Milan.

L’art de la restauration de la céramique à la laque et à la poudre d’or.

Le kintsugi est un art ancestral japonais qui consiste en la restauration d’un objet en céramique, en collant les bouts cassés avec de la laque puis en maquillant les cicatrices avec de la poudre d’or. Izumi Shimura, l’autrice, exerce et enseigne l’art du kintsugi.

Photographies © Studio Haberfeld

Cette monographie tant attendue présente l’étendue de la pratique de JB Blunk et comprend des photographies d’archives inédites et récemment commandées de bijoux, de céramiques, de peintures, de meubles, de sculptures et de sa maison construite à la main. Edité par Mariah Nielson et Åbäke, le livre présente des essais de Lucy Lippard, Glenn Adamson, Fariba Bogzaran et Louise Allison Cort.

“Solid Ground” de Nathalie Lautenbacher, de l’université d’Aalto, comprend une sélection de photographies et d’essais réfléchis dans le cadre d’un examen approfondi de la céramique et de son attrait. Alors que le domaine du design couvre aujourd’hui une variété de matériaux et de technologies différents, et opère même dans des domaines immatériels, l’art ancien de la céramique reste très pertinent. Les sept chapitres du livre reflètent non seulement les tendances actuelles, mais aussi des phénomènes durables dans le domaine de la céramique. Nombre de ces thèmes sont archaïques, ayant évolué naturellement au fil du temps. Les auteurs, issus de domaines variés, cherchent des passerelles entre la culture, l’art et le monde universitaire, pour découvrir les racines de ce matériau polyvalent.

« White » n’est pas un livre sur les couleurs. C’est plutôt la tentative de Kenya Haras d’explorer l’essence du «blanc», qu’il considère comme étant étroitement liée à l’origine de l’esthétique japonaise – symbolisant la simplicité et la subtilité. Les concepts centraux discutés par Kenya Hara dans cette publication sont la vacuité et le vide absolu. Kenya Hara considère également son travail de designer comme une forme de communication. Une bonne communication a la particularité de pouvoir s’écouter plutôt que d’imposer son opinion à l’adversaire. Kenya Hara compare cette forme de communication à un « conteneur vide ». Dans la communication visuelle, il y a également des signaux dont la signification est limitée, ainsi que des signaux ou des symboles comme la croix ou le cercle rouge sur le drapeau japonais, qui – comme un « contenant vide » – permettent toutes les significations et ne limitent pas l’imagination. Non seulement le fait que le caractère japonais pour le blanc forme un radical du caractère pour le vide l’a incité à associer étroitement la couleur blanche au vide.