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Makoto Kagoshima, basé sur l’île méridionale du Japon, illustre des motifs fantaisistes et réconfortants sur de l’argile, faisant de chaque céramique une œuvre d’art unique en son genre. En tant que jardinier passionné, des motifs tels que des pensées et des roses apparaissent dans ses créations, avec parfois des papillons et d’autres créatures fantastiques.

Après avoir déménagé à Yatsugatake, Kimura a passé près de 11 ans à créer des meubles à partir de bois de construction usagé. Depuis la création de Trax jusqu’à son décès, il a produit une multitude de meubles et d’objets.
Cette publication est un résumé de l’immense quantité de photographies et de documentation sur ses meubles, ses objets et sa création d’espace autour de Trax que Kimura a laissée derrière lui. La plupart des photos incluses ont été prises à Trax, en tant qu’espace en soi. Outre des textes écrits par Kyohei Sakaguchi, Elein Fleiss et Tohru Matsushita (SIDE CORE), tous associés à Trax, le livre comprend également des croquis et des dessins de Kimura, ainsi que des photographies du jardin et de la culture Jomon qui lui ont servi d’inspiration. Même vingt ans après sa mort, de nombreuses œuvres de Kimura restent intemporelles, conservées principalement à Trax. Ce livre est une étude du parcours créatif de Jiro Kimura avec Trax, en tant que galerie et œuvre d’art.

La Gallery Trax a vu le jour en 1993, au pied de Yatsugatake, dans la ville de Hokuto, à Yamanashi. Fondée par l’architecte d’intérieur Jiro Kimura et la designer Etsuko Miyoshi, ce bâtiment était la crèche d’une école municipale fermée située sur le terrain du temple Shounji. Il a été rénové par Kimura lui-même, et le mobilier et les objets qu’il a créés composent l’espace. Trax se distingue non seulement par son emplacement ou son atmosphère, mais aussi par le fait qu’il a été un lieu d’exposition pour des artistes tels que Jun Tsunoda, Tomoo Gokita, Katsumi Omori, Rinko Kawauchi, Yayoi Deki et d’autres depuis le début de leur carrière. Avec le vent qui souffle et la lumière qui pénètre, la galerie n’est pas ce que l’on appelle un White Cube. L’espace et les œuvres semblent respirer ici ; l’espace lui-même est une œuvre d’art qui a accueilli de nombreuses œuvres d’art au fil des ans. Depuis le décès de Kimura en 2004, Miyoshi a maintenu l’endroit en tant que galerie, et le nombre de visiteurs de Trax, un lieu où l’esprit de Kimura réside toujours, ne cesse de croître.

Richard Batterham (1936-2021) était l’un des potiers les plus vénérés de son temps, travaillant depuis plus de 60 ans dans sa poterie à Durweston, Dorset, Royaume-Uni. Au fil des décennies, Batterham a conservé certains de ses pots les plus réussis – ceux qui capturaient une qualité particulière qu’il appréciait et voulait se référer à nouveau – constituant une archive personnelle couvrant toute sa carrière. En tant que collection, il documente une vie unique de travail et de fabrication. Avec des photographies spécialement commandées de pièces représentatives, personnellement sélectionnées par Batterham, et les contributions d’un groupe d’écrivains ayant une profonde compréhension de son travail et de sa signification plus large, ce livre est une monographie importante du célèbre potier de studio.

“Nous pourrions regarder les bas-reliefs en céramique de Ronan Bouroullec et y voir les traces d’un langage que nous reconnaissons : paysages, objets, horizons. Nous pourrions être tentés de considérer l’œuvre de ’23 bas-reliefs’ comme un alphabet de formes simples, de penser aux pièces de manière « objective ». Mais en tant que tableaux, ces reliefs ne sont pas tout à fait justes : l’un a un bord qui va trop loin, un autre présente un cercle décentré et sur le point de rouler, un autre encore, une masse rose qui pourrait basculer.

Le travail de Ronan Bouroullec est plus fécond si nous l’écoutons à travers un tout nouveau langage. Les langues sont toujours nées de l’argile (on pense aux sceaux cunéiformes) ; il est facile de croire qu’il est en train de développer la sienne. Sa pratique – quelque part à l’intersection entre la peinture, la sculpture et le design – exige de nouveaux verbes, des mots comme « biseauter » et « désintégrer ». (Et il est possible qu’il n’y ait rien de plus beau qu’un bord biseauté : la façon dont ils s’effilent ressemble à une caresse. La façon dont ils se dissolvent sur un fond est à la fois délicate et profondément analogique. Ces effets sont à la fois visuels et tactiles, c’est-à-dire qu’on les voit et on a envie de les toucher).”

Colours & Shapes est une introduction ludique à la pratique de l’artiste céramique belge Sigrid Volders. Édité et avec des photographies de Johanna Tagada Hoffbeck, cette publication comprend des croquis et des extraits de journal intime de Sigrid Volders.

Active en tant qu’artiste céramiste depuis 2013, la pratique de Sigrid Volders est composée de pièces fabriquées à la main et de pièces tournées de manière plus académique. À travers la palette existante dans son corpus d’œuvres, Sigrid démontre une capacité à exécuter des techniques instantanées, la liberté et le détachement, qui se traduit dans ses pièces par un sentiment distinct et immédiat d’honnêteté et d’intimité.

Takuro Kuwata est un potier radical qui décrit néanmoins son travail comme étant fermement ancré dans les traditions de la céramique. Il cherche à pousser le potentiel de ses matériaux, tout en se référant aux formes traditionnelles et en fabriquant des objets fonctionnels. Il est connu pour un certain nombre de procédures expérimentales, notamment l’ajout de pierres à son mélange d’argile de sorte que, lors de la cuisson, elles éclatent ou perforent la structure de l’argile, ou l’utilisation d’aiguilles pour attraper la glaçure d’un récipient afin de créer une texture bosselée lors de la cuisson. Il laisse ainsi la forme finale de l’œuvre au hasard, mais prend soin de s’assurer que chaque pièce est toujours fonctionnelle. Les œuvres de Kuwata sont également connues pour leurs combinaisons de couleurs saturées et intenses. L’artiste a tendance à privilégier le rouge, le bleu et les couleurs métalliques or et argent.

Les ornements sont omniprésents – ils peuvent être trouvés sur les bâtiments, les tissus, les bijoux, les carreaux, la céramique et le papier peint. Méprisé au début de l’ère moderne, l’ornement est depuis longtemps revenu dans l’architecture et influence autant les ébauches que les motifs de tatouage.
Dans New Grammar of Ornament, Thomas Weil compare les objets ornementaux actuels avec les résultats de la recherche archéologique sur les artefacts ornementaux et conclut qu’il existe une constante anthropologique. Des arrangements récurrents de rayures, rectangles, triangles et points et de la fréquence des formes d’ornements floraux utilisés, il tire une nouvelle « grammaire de l’ornement ».
Plus de 160 ans après la publication influente d’Owen Jones, New Grammar of Ornament est un nouvel ouvrage de référence. Il catégorise la variété des formes ornementales utilisées dans le monde et les place pour la première fois dans un contexte artistique et historico-culturel majeur.

Les pièces présentées dans les plus de 200 magnifiques photographies de ce livre proviennent de la collection personnelle de Hideyuki Oka (1905-1995), un maître du graphisme et de la publicité japonais. L’emballage traditionnel japonais, appelé “tsutsumu”, utilise des matériaux naturels comme le bambou, la paille de riz, la ficelle de chanvre, le papier, la céramique et les feuilles. Le sens esthétique japonais familier et sa résonance dans la culture traditionnelle imprègnent même ces objets quotidiens, qui semblent tous transcender leur fonction évidente. La beauté simple et le savoir-faire artisanal sont remarquables, qu’il s’agisse de bonbons verts dans une boîte en pin taillée à la main ou d’une orange en céramique conçue pour contenir du miso aux agrumes.

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l’artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l’artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.

Édition de 16. Ouvrage de la première édition sous coffret 32 x 26 cm réalisé à la main par La Reliure Contemporaine (Morina Mongin), accompagné d’un tirage jet d’encre couleur 21 x 25 cm de Vasantha Yogananthan, à choisir parmi trois images, signé et numéroté au dos.
Chaque tirage de tête est unique et peint à la main à l’acrylique, aussi sera-t-il légèrement différent de la photographie présentée ici.

Édition de 16. Ouvrage de la première édition sous coffret 32 x 26 cm réalisé à la main par La Reliure Contemporaine (Morina Mongin), accompagné d’un tirage jet d’encre couleur 21 x 25 cm de Vasantha Yogananthan, à choisir parmi deux images, signé et numéroté au dos.
Chaque tirage de tête est unique, aussi sera-t-il légèrement différent de la photographie présentée ici.

Cabas « book bag » 100% coton biologique en édition limitée de 200 exemplaires, réalisé par Iris de Moüy à l’occasion du 5e anniversaire de Chose Commune.

Le trait d’Iris de Moüy fabrique des univers où le jeu rencontre la poésie. Les animaux et les hommes cohabitent dans un monde rêvé.

La collection Coup de Crayon propose une carte blanche aux artistes pour qui la peinture, le dessin ou le collage est au coeur de leur pratique – pour penser une série en livre.  “Horses are Blue” de Iris de Moüy est le 1er opus de la collection.

D’un trait libre et spontané, Iris de Moüy dessine des émotions. “Horses are Blue” présente un univers peuplé de créatures mystérieuses et figures humaines extraordinaires qui se rencontrent, se défient et s’enlacent. Un tête-à-tête fantasque qui invite à lâcher prise.

La série A Myth of Two Souls reflète l’imaginaire dégagé par le mythe du Ramayana et sa prégnance dans la vie quotidienne en Inde. Epopée constituée de 7 chapitres et attribuée au poète Valmiki, le Ramayana a été composé il y a plus de deux mille ans. Constamment ré-écrit et ré-interprété, il continue à évoluer aujourd’hui. Retraçant l’itinéraire emprunté par les héros de l’épopée du nord au sud du pays, Vasantha Yogananthan propose une relecture contemporaine du mythe, centrée sur la notion de voyage dans le temps.