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Le livre Keramikos présente des enregistrements photographiques recto-verso de 300 pièces peintes que les artistes Matthew Lutz-Kinoy et Natsuko Uchino ont produites depuis 2010 – notamment des assiettes, des bols, des pichets et des pots à huile. Certains objets sont accompagnés de descriptions narratives qui présentent des aspects de la recherche vaste et complexe du duo, qui explore les notions de société, de religion, de politique, de style et de technique à travers la longue histoire des motifs de production de céramique hispano-mauresque, byzantine, islamique et coréenne. Chaque plaque est imprimée au recto et son verso est présenté dans la même position au verso de la même page. Un vaste index complète l’ouvrage, ainsi qu’un entretien avec l’artiste et le commissaire d’exposition Nicolas Trembley.

Une sélection d’œuvres récentes et plus anciennes de Laura Aldridge, accompagnée d’un entretien et de trois essais inédits sur sa pratique.

Développant une pratique profondément engagée dans un débat sur l’artisanat et l’art contemporain, les processus de création, l’expérimentation et la collaboration, Laura Aldridge (née en 1978 à Frimley) crée des environnements performatifs ou, dans ses propres termes, des « collages élargis » (expanded collages) dans lesquels elle joue de la réunion ludique de matériaux, de procédés et de textures pour provoquer des associations sensibles. Son œuvre questionne et met l’accent sur les différentes stratégies de création et de réception. En jouant avec différents matériaux (photographie, sérigraphie, céramique, tissu, objets trouvés, ciment) et en convoquant à la fois savoir-faire artisanaux, fait-main et pratiques sculpturales, ses pièces interrogent la place du spectateur dans l’installation, entre interactions physiques avec l’environnement et engagement tactile.

The Journey of Things de Magdalene Odundo a été publié parallèlement à l’exposition du même nom présentée à The Hepworth Wakefield au printemps 2019. Le livre présente 44 des navires d’Odundo aux côtés d’une large sélection d’objets muséologiques et contemporains qui révèlent le large éventail de références mondiales. qui ont guidé sa pratique. L’objet livre comprend une série de sections entrelacées présentant un flux organique de contenu qui associe et juxtapose l’historique et le contemporain, avec des œuvres de Barbara Hepworth, Henry Moore, Henri Gaudier-Brzeska, Lucie Rie, Jean Arp, ainsi que des vaisseaux anciens. de Grèce et d’Égypte, des céramiques historiques d’Afrique, d’Asie et d’Amérique centrale, et des objets rituels de tout le continent africain.

Makoto Kagoshima, basé sur l’île méridionale du Japon, illustre des motifs fantaisistes et réconfortants sur de l’argile, faisant de chaque céramique une œuvre d’art unique en son genre. En tant que jardinier passionné, des motifs tels que des pensées et des roses apparaissent dans ses créations, avec parfois des papillons et d’autres créatures fantastiques.

Après avoir déménagé à Yatsugatake, Kimura a passé près de 11 ans à créer des meubles à partir de bois de construction usagé. Depuis la création de Trax jusqu’à son décès, il a produit une multitude de meubles et d’objets.
Cette publication est un résumé de l’immense quantité de photographies et de documentation sur ses meubles, ses objets et sa création d’espace autour de Trax que Kimura a laissée derrière lui. La plupart des photos incluses ont été prises à Trax, en tant qu’espace en soi. Outre des textes écrits par Kyohei Sakaguchi, Elein Fleiss et Tohru Matsushita (SIDE CORE), tous associés à Trax, le livre comprend également des croquis et des dessins de Kimura, ainsi que des photographies du jardin et de la culture Jomon qui lui ont servi d’inspiration. Même vingt ans après sa mort, de nombreuses œuvres de Kimura restent intemporelles, conservées principalement à Trax. Ce livre est une étude du parcours créatif de Jiro Kimura avec Trax, en tant que galerie et œuvre d’art.

La Gallery Trax a vu le jour en 1993, au pied de Yatsugatake, dans la ville de Hokuto, à Yamanashi. Fondée par l’architecte d’intérieur Jiro Kimura et la designer Etsuko Miyoshi, ce bâtiment était la crèche d’une école municipale fermée située sur le terrain du temple Shounji. Il a été rénové par Kimura lui-même, et le mobilier et les objets qu’il a créés composent l’espace. Trax se distingue non seulement par son emplacement ou son atmosphère, mais aussi par le fait qu’il a été un lieu d’exposition pour des artistes tels que Jun Tsunoda, Tomoo Gokita, Katsumi Omori, Rinko Kawauchi, Yayoi Deki et d’autres depuis le début de leur carrière. Avec le vent qui souffle et la lumière qui pénètre, la galerie n’est pas ce que l’on appelle un White Cube. L’espace et les œuvres semblent respirer ici ; l’espace lui-même est une œuvre d’art qui a accueilli de nombreuses œuvres d’art au fil des ans. Depuis le décès de Kimura en 2004, Miyoshi a maintenu l’endroit en tant que galerie, et le nombre de visiteurs de Trax, un lieu où l’esprit de Kimura réside toujours, ne cesse de croître.

Richard Batterham (1936-2021) était l’un des potiers les plus vénérés de son temps, travaillant depuis plus de 60 ans dans sa poterie à Durweston, Dorset, Royaume-Uni. Au fil des décennies, Batterham a conservé certains de ses pots les plus réussis – ceux qui capturaient une qualité particulière qu’il appréciait et voulait se référer à nouveau – constituant une archive personnelle couvrant toute sa carrière. En tant que collection, il documente une vie unique de travail et de fabrication. Avec des photographies spécialement commandées de pièces représentatives, personnellement sélectionnées par Batterham, et les contributions d’un groupe d’écrivains ayant une profonde compréhension de son travail et de sa signification plus large, ce livre est une monographie importante du célèbre potier de studio.

“Nous pourrions regarder les bas-reliefs en céramique de Ronan Bouroullec et y voir les traces d’un langage que nous reconnaissons : paysages, objets, horizons. Nous pourrions être tentés de considérer l’œuvre de ’23 bas-reliefs’ comme un alphabet de formes simples, de penser aux pièces de manière « objective ». Mais en tant que tableaux, ces reliefs ne sont pas tout à fait justes : l’un a un bord qui va trop loin, un autre présente un cercle décentré et sur le point de rouler, un autre encore, une masse rose qui pourrait basculer.

Le travail de Ronan Bouroullec est plus fécond si nous l’écoutons à travers un tout nouveau langage. Les langues sont toujours nées de l’argile (on pense aux sceaux cunéiformes) ; il est facile de croire qu’il est en train de développer la sienne. Sa pratique – quelque part à l’intersection entre la peinture, la sculpture et le design – exige de nouveaux verbes, des mots comme « biseauter » et « désintégrer ». (Et il est possible qu’il n’y ait rien de plus beau qu’un bord biseauté : la façon dont ils s’effilent ressemble à une caresse. La façon dont ils se dissolvent sur un fond est à la fois délicate et profondément analogique. Ces effets sont à la fois visuels et tactiles, c’est-à-dire qu’on les voit et on a envie de les toucher).”

La relation entre Seiichi Furuya et Christine Gössler est faite de regards croisés qui se répondent à travers 150 paires d’images prises sur sept années.

En 1973, Seiichi Furuya quitte le Japon pour l’Europe à bord du transsibérien. Arrivé en Autriche, il s’installe d’abord à Vienne avant de déménager à Graz où il rencontre Christine Gössler en 1978. Très rapidement, il commence à la photographier, dans l’intimité de leur domicile à Graz mais aussi lors de séjours à l’étranger — en Allemagne, au Royaume-Uni, en Italie…et au Japon, leur destination la plus lointaine. Christine étudie l’histoire de l’art avant de travailler comme réalisatrice de programmes documentaires pour la radio. Après la naissance de leur fils en 1981, elle s’immerge dans le monde du théâtre. Alors qu’elle se dévoue à ses cours de théâtre, elle commence à montrer des signes de schizophrénie. Christine se suicide à Berlin Est en 1985.

Depuis la disparition de Christine, Furuya n’a cessé de revisiter son archive. Cette démarche se présente sous forme d’une série de cinq livres intitulés Mémoires, publiés entre 1989 et 2010. En 2018, Seiichi Furuya retrouve des photographies prises par Christine avec un petit appareil de poche et un 35mm, et les trie pour la première fois en suivant l’ordre chronologique. En étudiant ses trouvailles, il découvre avec surprise que Christine tirait aussi souvent son portrait, dans les mêmes instants où lui la photographiait. C’est un vrai “Face à Face”, réalise alors le photographe. Cette nouvelle série est composée de 150 paires de photographies prises sur sept années — de leur rencontre au décès de Christine. Furuya considère ce dernier travail comme l’ultime chapitre qui clôturera les Mémoires, le travail d’une vie. 

Colours & Shapes est une introduction ludique à la pratique de l’artiste céramique belge Sigrid Volders. Édité et avec des photographies de Johanna Tagada Hoffbeck, cette publication comprend des croquis et des extraits de journal intime de Sigrid Volders.

Active en tant qu’artiste céramiste depuis 2013, la pratique de Sigrid Volders est composée de pièces fabriquées à la main et de pièces tournées de manière plus académique. À travers la palette existante dans son corpus d’œuvres, Sigrid démontre une capacité à exécuter des techniques instantanées, la liberté et le détachement, qui se traduit dans ses pièces par un sentiment distinct et immédiat d’honnêteté et d’intimité.

Takuro Kuwata est un potier radical qui décrit néanmoins son travail comme étant fermement ancré dans les traditions de la céramique. Il cherche à pousser le potentiel de ses matériaux, tout en se référant aux formes traditionnelles et en fabriquant des objets fonctionnels. Il est connu pour un certain nombre de procédures expérimentales, notamment l’ajout de pierres à son mélange d’argile de sorte que, lors de la cuisson, elles éclatent ou perforent la structure de l’argile, ou l’utilisation d’aiguilles pour attraper la glaçure d’un récipient afin de créer une texture bosselée lors de la cuisson. Il laisse ainsi la forme finale de l’œuvre au hasard, mais prend soin de s’assurer que chaque pièce est toujours fonctionnelle. Les œuvres de Kuwata sont également connues pour leurs combinaisons de couleurs saturées et intenses. L’artiste a tendance à privilégier le rouge, le bleu et les couleurs métalliques or et argent.

Les ornements sont omniprésents – ils peuvent être trouvés sur les bâtiments, les tissus, les bijoux, les carreaux, la céramique et le papier peint. Méprisé au début de l’ère moderne, l’ornement est depuis longtemps revenu dans l’architecture et influence autant les ébauches que les motifs de tatouage.
Dans New Grammar of Ornament, Thomas Weil compare les objets ornementaux actuels avec les résultats de la recherche archéologique sur les artefacts ornementaux et conclut qu’il existe une constante anthropologique. Des arrangements récurrents de rayures, rectangles, triangles et points et de la fréquence des formes d’ornements floraux utilisés, il tire une nouvelle « grammaire de l’ornement ».
Plus de 160 ans après la publication influente d’Owen Jones, New Grammar of Ornament est un nouvel ouvrage de référence. Il catégorise la variété des formes ornementales utilisées dans le monde et les place pour la première fois dans un contexte artistique et historico-culturel majeur.

Les pièces présentées dans les plus de 200 magnifiques photographies de ce livre proviennent de la collection personnelle de Hideyuki Oka (1905-1995), un maître du graphisme et de la publicité japonais. L’emballage traditionnel japonais, appelé “tsutsumu”, utilise des matériaux naturels comme le bambou, la paille de riz, la ficelle de chanvre, le papier, la céramique et les feuilles. Le sens esthétique japonais familier et sa résonance dans la culture traditionnelle imprègnent même ces objets quotidiens, qui semblent tous transcender leur fonction évidente. La beauté simple et le savoir-faire artisanal sont remarquables, qu’il s’agisse de bonbons verts dans une boîte en pin taillée à la main ou d’une orange en céramique conçue pour contenir du miso aux agrumes.

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l’artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l’artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.

Dans ce septième et dernier chapitre de son projet A Myth of Two Souls, Vasantha Yogananthan explore le concept de la pureté ainsi que cycle infini de la vie que représente le mythe du Ramayana.

A Myth of Two Souls (2013-2021) propose une relecture contemporaine du Ramayana, au long d’un voyage dans le temps et dans l’espace. S’inspirant de l’iconographie générée par le mythe et sa prégnance dans la société indienne, Vasantha Yogananthan a retracé l’itinéraire emprunté par les héros de l’épopée du Népal, à l’Inde et au Sri Lanka. Le Ramayana a été écrit en sanskrit par le poète Valmiki autour du 4ème siècle de notre ère. Il a traversé les âges en étant continuellement ré-écrit et ré-interprété et continue à évoluer aujourd’hui.

Septième et dernier chapitre, Amma (qui signifie « mère » en tamoul) clôt le projet A Myth of Two Souls après 437 photographies publiées dans 7 livres (2016-2021). Pour célébrer cette épopée, Chose Commune publie, en collaboration étroite avec l’artiste, un livre dont l’intégralité des 60 photographies sont collées à la main (impression et reliure réalisées en Italie).

Les images qui composent Amma ont été réalisées au fil de treize voyages en Inde et au Sri Lanka (2013-2021). Amma est centré autour du personnage de la princesse Sita et questionne le concept de « pureté ». La fin du Ramayana, loin d’un « happy ending », met en lumière la cruauté de Rama et sa soumission aveugle aux croyances d’une société patriarcale. Sita, fille de la terre — son nom signifie sillon en sanskrit — est elle libre de réaliser des choix non dictés par la culture des hommes.

Les photographies composant Amma ont été réalisées le long des côtes du Sri Lanka, dans la ville d’Ayodhya jusqu’à la jungle du Bihar, en Inde. Leur palette chromatique recrée un monde où la civilisation disparait peu à peu, laissant place à un espace purement métaphysique. Le Ramayana n’a ni fin ni commencement, il représente le cycle de la vie. Il a toujours été et sera toujours.