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Listening to Clay : Conversations avec des céramistes japonais contemporains est le premier ouvrage à présenter des conversations avec certains des plus importants céramistes japonais vivants. Retraçant l’évolution de l’artisanat et de l’art modernes et contemporains au Japon, cet ouvrage novateur met en lumière seize personnes dont les compétences inégalées et l’éclat créatif leur ont conféré une influence qui dépasse largement les frontières nationales.

Un parcours d’inventions et d’expérimentations à travers plus de 200 pièces d’artistes internationaux, observant la diversité non seulement des formes et des décors, mais aussi des processus de fabrication de la céramique.
Ce projet évite les narrations traditionnelles qui maintiennent la céramique à la marge des arts, mais rend plutôt hommage au medium en le questionnant comme un matériau hétérogène capable de raconter de nombreuses histoires.

Prenant comme point de départ la création de la première Poterie artistique de Monaco dans la seconde moitié du XIXème siècle, cette publication met en lumière des personnalités majeures de l’histoire de la céramique en Principauté – Charles et Marie Fischer, Eugène Baudin et Albert Diato – et en regard du travail de nombreux artistes parmi lesquels Johan Creten, Simone Fattal, George Ohr, Ron Nagle, Pablo Picasso ou encore Magdalena Suarez Frimkess, dont certains, malgré la distance historique ou géographique, partagent des connexions profondes et des complicités inattendues.
Cette publication rassemble plusieurs des interprétations que ce médium malléable a inspirées sur plus d’un siècle, et reflète l’aspiration des artistes céramistes à provoquer un changement de perspective.

Elle rassemble dans une édition bilingue français-anglais des textes de Cecilia Canziani, Valérie Da Costa, Chus Martínez, Cristiano Raimondi et Agnès Roux.

Cette publication présente dix ans de travaux en céramique réalisés par une figure importante de l’art d’après-guerre. Publié suite aux expositions au musée Marino Marini à Florence du 20 septembre au 28 novembre 2015 et à l’Institute of Contemporary Arts, Londres, du 3 février au 10 avril 2016.
Betty Woodman (1930-2018) est une artiste et une universitaire, mariée au peintre et photographe George Woodman. Woodman est principalement reconnue pour ses œuvres en céramique, notamment visibles au Musée des Beaux-Arts de Boston, Massachusetts, au Musée international de la céramique à Faenza, au Metropolitan Museum of Art à New York, au Musée des Arts Decoratifs à Paris, au Museu Nacional do Azulejo à Lisbonne, au Museum of Modern Art à New York, à la National Gallery of Art de Washington, DC, au Victoria and Albert Museum à Londres et au Centre international de la céramique à Ichon en Corée.

Edith Heath : Philosophies est la ressource la plus complète à ce jour sur Edith Kiertzner Heath (1911-2005) et l’histoire de Heath Ceramics, mettant l’accent sur les fondements philosophiques et les influences de l’une des forces créatives les plus importantes de l’Amérique d’après-guerre. Fortement illustré, il comprend un avant-propos, une préface, une chronologie visuelle, un historique des produits et des glaçures de la vaisselle, ainsi que treize chapitres rédigés par des artistes et des universitaires qui ont mené des recherches à partir de la collection Brian et Edith Heath/Heath Ceramics des Environmental Design Archives ( (EDA), UC Berkeley. Cette publication servira de complément à l’exposition de 2021 au Oakland Museum of California, offrant des commentaires substantiels et approfondis sur les thèmes présentés – environnement, féminisme, expérimentation, architecture, politique, collaborations – tout en renforçant la pertinence de l’histoire d’Edith Heath dans la vie et la société contemporaines.

Organisé par thèmes, Edith Heath : Philosophies met l’accent sur des récits moins connus et utilise des images rarement vues. Edith Heath considérait que sa vaisselle était plus qu’une collection d’objets ; c’était une déclaration de bon design reflétant le style de vie de la côte ouest américaine d’après-guerre. Le livre s’écarte du récit linéaire traditionnel de l’entreprise et situe Edith Heath comme une figure influente et méconnue de l’histoire du design céramique. Le texte et les riches illustrations plairont à un public diversifié intéressé par le design d’après-guerre, la culture matérielle et l’histoire de la Californie.

Ce livre capture l’instant brut de création de FAYE TOOGOOD. ASSEMBLAGE 6: UNLEARNING a commencé avec une sélection de près de 300 maquettes : chaises, lampes, tabourets ou méridiennes en fil de fer, carton, ruban adhésif et toile, ou les matériaux de tous les jours que l’on trouve dans l’atelier de FAYE TOOGOOD. Mais après avoir aligné ces maquettes assez grossières, presque enfantines, la collection s’est réduite à dix-sept qui ont été choisies pour être agrandies. C’est un véritable voyage immersif à travers toutes les maquettes originales et leur passage occasionnel dans le monde réel du meuble/sculpture, un livre qui joue avec le sens de la dissimulation évident dans les objets finis ou le fait que certains objets ne sont pas toujours ce qu’ils paraissent être à première vue.

L’auteur Sophie Mackintosh, nominée pour le Man Booker, prend cette idée comme point de départ pour sa nouvelle présentée au début du livre. Le livre se clôt sur un essai de l’écrivain et commissaire indépendant Glenn Adamson, qui contextualise la collection et le processus dans son ensemble.

Guido De Zan est né à Milan en 1947, et c’est en 1975 qu’il a commencé ses recherches dans le domaine de la céramique. Il utilise le grès et la porcelaine pour créer des sculptures et des objets fonctionnels. Cette monographie est consacrée à ses 40 ans de carrière de céramiste, au cours desquels il a cherché à “alléger” la matière et à rechercher l’équilibre, aussi instable soit-il. Composée d’un riche catalogue d’œuvres réparties en catégories, elle présente de nouveaux textes de plusieurs auteurs, dont De Zan lui-même. Elle présente également une anthologie critique d’écrits qui soulignent les thèmes fondamentaux de la recherche de De Zan, de la relation entre l’art et le travail manuel, à son lien avec Milan.

L’art de la restauration de la céramique à la laque et à la poudre d’or.

Le kintsugi est un art ancestral japonais qui consiste en la restauration d’un objet en céramique, en collant les bouts cassés avec de la laque puis en maquillant les cicatrices avec de la poudre d’or. Izumi Shimura, l’autrice, exerce et enseigne l’art du kintsugi.

Photographies © Studio Haberfeld

Cette monographie tant attendue présente l’étendue de la pratique de JB Blunk et comprend des photographies d’archives inédites et récemment commandées de bijoux, de céramiques, de peintures, de meubles, de sculptures et de sa maison construite à la main. Edité par Mariah Nielson et Åbäke, le livre présente des essais de Lucy Lippard, Glenn Adamson, Fariba Bogzaran et Louise Allison Cort.

“Solid Ground” de Nathalie Lautenbacher, de l’université d’Aalto, comprend une sélection de photographies et d’essais réfléchis dans le cadre d’un examen approfondi de la céramique et de son attrait. Alors que le domaine du design couvre aujourd’hui une variété de matériaux et de technologies différents, et opère même dans des domaines immatériels, l’art ancien de la céramique reste très pertinent. Les sept chapitres du livre reflètent non seulement les tendances actuelles, mais aussi des phénomènes durables dans le domaine de la céramique. Nombre de ces thèmes sont archaïques, ayant évolué naturellement au fil du temps. Les auteurs, issus de domaines variés, cherchent des passerelles entre la culture, l’art et le monde universitaire, pour découvrir les racines de ce matériau polyvalent.

« White » n’est pas un livre sur les couleurs. C’est plutôt la tentative de Kenya Haras d’explorer l’essence du «blanc», qu’il considère comme étant étroitement liée à l’origine de l’esthétique japonaise – symbolisant la simplicité et la subtilité. Les concepts centraux discutés par Kenya Hara dans cette publication sont la vacuité et le vide absolu. Kenya Hara considère également son travail de designer comme une forme de communication. Une bonne communication a la particularité de pouvoir s’écouter plutôt que d’imposer son opinion à l’adversaire. Kenya Hara compare cette forme de communication à un « conteneur vide ». Dans la communication visuelle, il y a également des signaux dont la signification est limitée, ainsi que des signaux ou des symboles comme la croix ou le cercle rouge sur le drapeau japonais, qui – comme un « contenant vide » – permettent toutes les significations et ne limitent pas l’imagination. Non seulement le fait que le caractère japonais pour le blanc forme un radical du caractère pour le vide l’a incité à associer étroitement la couleur blanche au vide.

Le livre Keramikos présente des enregistrements photographiques recto-verso de 300 pièces peintes que les artistes Matthew Lutz-Kinoy et Natsuko Uchino ont produites depuis 2010 – notamment des assiettes, des bols, des pichets et des pots à huile. Certains objets sont accompagnés de descriptions narratives qui présentent des aspects de la recherche vaste et complexe du duo, qui explore les notions de société, de religion, de politique, de style et de technique à travers la longue histoire des motifs de production de céramique hispano-mauresque, byzantine, islamique et coréenne. Chaque plaque est imprimée au recto et son verso est présenté dans la même position au verso de la même page. Un vaste index complète l’ouvrage, ainsi qu’un entretien avec l’artiste et le commissaire d’exposition Nicolas Trembley.

Une sélection d’œuvres récentes et plus anciennes de Laura Aldridge, accompagnée d’un entretien et de trois essais inédits sur sa pratique.

Développant une pratique profondément engagée dans un débat sur l’artisanat et l’art contemporain, les processus de création, l’expérimentation et la collaboration, Laura Aldridge (née en 1978 à Frimley) crée des environnements performatifs ou, dans ses propres termes, des « collages élargis » (expanded collages) dans lesquels elle joue de la réunion ludique de matériaux, de procédés et de textures pour provoquer des associations sensibles. Son œuvre questionne et met l’accent sur les différentes stratégies de création et de réception. En jouant avec différents matériaux (photographie, sérigraphie, céramique, tissu, objets trouvés, ciment) et en convoquant à la fois savoir-faire artisanaux, fait-main et pratiques sculpturales, ses pièces interrogent la place du spectateur dans l’installation, entre interactions physiques avec l’environnement et engagement tactile.

The Journey of Things de Magdalene Odundo a été publié parallèlement à l’exposition du même nom présentée à The Hepworth Wakefield au printemps 2019. Le livre présente 44 des navires d’Odundo aux côtés d’une large sélection d’objets muséologiques et contemporains qui révèlent le large éventail de références mondiales. qui ont guidé sa pratique. L’objet livre comprend une série de sections entrelacées présentant un flux organique de contenu qui associe et juxtapose l’historique et le contemporain, avec des œuvres de Barbara Hepworth, Henry Moore, Henri Gaudier-Brzeska, Lucie Rie, Jean Arp, ainsi que des vaisseaux anciens. de Grèce et d’Égypte, des céramiques historiques d’Afrique, d’Asie et d’Amérique centrale, et des objets rituels de tout le continent africain.

Makoto Kagoshima, basé sur l’île méridionale du Japon, illustre des motifs fantaisistes et réconfortants sur de l’argile, faisant de chaque céramique une œuvre d’art unique en son genre. En tant que jardinier passionné, des motifs tels que des pensées et des roses apparaissent dans ses créations, avec parfois des papillons et d’autres créatures fantastiques.

Après avoir déménagé à Yatsugatake, Kimura a passé près de 11 ans à créer des meubles à partir de bois de construction usagé. Depuis la création de Trax jusqu’à son décès, il a produit une multitude de meubles et d’objets.
Cette publication est un résumé de l’immense quantité de photographies et de documentation sur ses meubles, ses objets et sa création d’espace autour de Trax que Kimura a laissée derrière lui. La plupart des photos incluses ont été prises à Trax, en tant qu’espace en soi. Outre des textes écrits par Kyohei Sakaguchi, Elein Fleiss et Tohru Matsushita (SIDE CORE), tous associés à Trax, le livre comprend également des croquis et des dessins de Kimura, ainsi que des photographies du jardin et de la culture Jomon qui lui ont servi d’inspiration. Même vingt ans après sa mort, de nombreuses œuvres de Kimura restent intemporelles, conservées principalement à Trax. Ce livre est une étude du parcours créatif de Jiro Kimura avec Trax, en tant que galerie et œuvre d’art.

La Gallery Trax a vu le jour en 1993, au pied de Yatsugatake, dans la ville de Hokuto, à Yamanashi. Fondée par l’architecte d’intérieur Jiro Kimura et la designer Etsuko Miyoshi, ce bâtiment était la crèche d’une école municipale fermée située sur le terrain du temple Shounji. Il a été rénové par Kimura lui-même, et le mobilier et les objets qu’il a créés composent l’espace. Trax se distingue non seulement par son emplacement ou son atmosphère, mais aussi par le fait qu’il a été un lieu d’exposition pour des artistes tels que Jun Tsunoda, Tomoo Gokita, Katsumi Omori, Rinko Kawauchi, Yayoi Deki et d’autres depuis le début de leur carrière. Avec le vent qui souffle et la lumière qui pénètre, la galerie n’est pas ce que l’on appelle un White Cube. L’espace et les œuvres semblent respirer ici ; l’espace lui-même est une œuvre d’art qui a accueilli de nombreuses œuvres d’art au fil des ans. Depuis le décès de Kimura en 2004, Miyoshi a maintenu l’endroit en tant que galerie, et le nombre de visiteurs de Trax, un lieu où l’esprit de Kimura réside toujours, ne cesse de croître.